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domingo, 13 de octubre de 2013
la inicicacion musical
“El elemento más novedoso y característico de la educación musical actual lo constituye el papel preponderante que se ha asignado al factor psicológico en la enseñanza. Al haberse desplazado hacia el niño el acento y la preocupación pedagógica, anteriormente concentrados en la materia misma, se amplía y diversifica el panorama educativo con respecto a los enfoques precedentes.
Si bien encontramos interesantísimos esbozos de esta tendencia a través de la historia de la educación musical, es indudable que el progreso extraordinario de la psicología durante el presente siglo ha permitido obtener resultados más concretos y optimistas. Por otra parte, la investigación de los mecanismos psicológicos que intervienen en el proceso de la audición y el aprendizaje musicales, muestra de qué manera es posible observar, promover e impulsar el desarrollo de la musicalidad prácticamente en todo individuo. Ya no es posible aceptar el criterio de otras épocas en que sólo recibían enseñanza musical los “bien dotados”o quienes tenían medios para procurarse una instrucción especial.
Puede decirse que hoy comienza ya a operarse una paulatina generalización de la educación musical en nuestro país, con la consiguiente “musicalización” de nuestros niños. También se reeducan con éxito aquellos adultos que se sienten frustrados por no haber logrado jamás entonar correctamente ni siquiera la más sencilla canción infantil.
No basta, pues ser un buen instrumentista o un versado maestro para llegar a despertar en el niño un sincero amor por la música. Hasta hace muy pocas décadas quienes tenían a su cargo la primera enseñanza musical en conservatorios y escuelas habían recibido una preparación unilateral, destinada a lograr esencialmente el dominio técnico de un instrumento. la mayoría de estos maestros carecía, por lo tanto, de un conocimiento organizado acerca de las características fundamentales de la personalidad infantil: desconocían los mecanismos del aprendizaje en el niño -y del aprendizaje de la música en particular-, y no encontraban otro recurso que seguir fielmente las indicaciones de un texto en el cual el complejo organismo musical quedaba por lo general reducido a un cúmulo de definiciones y enumeraciones de reglas.. Como resultado de este enfoque se limitaban bastante las posibilidades de que los alumnos -ni siquiera los más capaces- llegaran a establecer contacto con la música, a tener la vivencia de su proximidad, puesto que todo intento de apartarse del rumbo establecido se encontraba vedado. Aquellos que lograban sobrevivir a esta disciplina, se independizaban posteriormente, intentando por su cuenta el acercamiento hacia la música que su formación meramente teórica les había negado.
Maurice Chevais ha caracterizado esta enseñanza “tradicional” en los siguientes términos: “Los tradicionalistas puros definen desde el primer día el arte y la música. Les encanta aplicar fórmulas y se dirigen a la memoria de los niños para obtener la “repetición exacta”. Consagran, con la tiza en la mano, demasiado tiempo a los desarrollos teóricos y ven los hechos musicales comunes como una mera aplicación de las reglas que enseñan”. Y más adelante prosigue: A estos métodos no les importa ni la música ni el niño. Tal enseñanza sólo puede resultar provechosa para los bien dotados. Y constituye una grave crítica para un método el hecho de que se dirija a una minoría, sobre todo tratándose de una enseñanza artística, cuyos beneficios debieron poder extenderse a todos. Si algunos tradicionalistas brillantes han sacado buenos alumnos, pensemos en lo que esos mismos profesores obtendrían de los mismos alumnos con un poco de pedagogía”.
No existe más que una meta, única y clara, en la educación musical, y consiste en que el niño ame la música. Cuanto más la comprenda, más cerca estará de ella y más la amará. Sólo tendrá derecho a llamarse “educación” musical una enseñanza que sea capaz de contemplar las necesidades inherentes al desarrollo de la personalidad infantil y que se proponga cultivar el cuerpo, la mente y el espíritu del niño a través de la música.
Muy distinta tendrá que ser la actividad pedagógica a la que desplegaba el antiguo maestro de música. Más que nunca, los niños conocen sus derechos y exigen que éstos sean respetados: poco se parecen los niños de la actualidad a aquellos de las generaciones pasadas, que no osaban rebelarse frente a maestros o materias que sólo conseguían aburrirlos y fatigar su atención. La infancia es movimiento, actividad, ensayo constante, vida que pugna por proyectarse y hallar un cauce por donde fluir libremente. La música posee las condiciones necesarias para llegar a satisfacer sus más íntimos anhelos.
la musica tradicional
La música tradicional, música folclórica , música típica o folk (como se le conoce en algunos países de América), es la música que se transmite de generación en generación (y hoy día también de manera académica) como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que normalmente no la hace fácil de comprender a escala internacional. No obstante, existen excepciones notables como el flamenco, la jota, el tango, la Cueca, la samba, cumbia colombiana y, en general, todos los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo y sean algo más que una moda.Dentro de nuestra música tradicional popular se encuentran ritmos, muchos de ellos llegados en tiempos de la colonia, otros posteriores a esta que poco a poco se fueron mezclando con nuestra música aborigen para dar cambios en su forma armónica así como en el ritmo y la melodía; muchas de las canciones y ritmos en su mayoría llegados a nuestro territorio, eran cantos proanos y cantos religiosos por lo general traídos de España. Nuestro indio, mestizo o ladino optó estas formas, en algunos casos cambió su letra o su melodía pero siempre manteniendo el nombre del ritmo de la canción, aunque en algunos casos dándoles una interpretación diferente.
la musica universal
personajes y creadores de la musica universal
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)Compositor alemán. A temprana edad dio muestra de su talento musical. Su padre, un músico alcohólico, vio la posibilidad de explotar al niño y bajo severos castigos lo obligó a estudiar música. Fallidamente intentó mostrarlo a los monarcas de Europa, como una especie de segundo Mozart, lo cual no hizo más que aumentar el trato cruel.
La vida de Beethoven fue dramática y conmovedora. Fue uno de los primeros artistas en manifestar públicamente sus posturas políticas y estéticas. Admiró a Napoleón Bonaparte como una esperanza contra los sistemas monárquicos. Escribió para él su sinfonía «Heroica», pero decepcionado al coronarse éste como emperador, borró la dedicatoria.
No quiso someterse a vivir componiendo por encargo de los poderosos. Si antes los músicos tuvieron que componer para los nobles de alcurnia, Beethoven compuso para los nobles de corazón. Rompió también con muchas reglas académicas de la música las cuales sofocaban su libertad creadora.
A los 26 años empezó a tener problemas con el oído y al final de su vida estaba completamente sordo. Sin embargo siguió escribiendo porque podía escuchar la música de su imaginación. A pesar de haber vivido en la pobreza, la soledad y la incomprensión, Beethoven expresa en su música el más grande amor por el género humano y por la naturaleza. Ello es palpable en su «Sinfonía Pastoral» y en su «Oda a la Alegría». La música de Beethoven se considera como el cierre del clasicismo y el comienzo del romanticismo musical.
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
Compositor austriaco. El primero que fue esencialmente romántico y a la vez recibió la herencia clásica. A lo largo de su corta existencia, marcada por la pobreza y una precaria salud, llegó a componer una variedad de páginas musicales de distinto carácter como sinfonías, óperas, misas, cuartetos y sonatas.
Sin embargo el género en el que SCHUBERT hace gala de su inigualable fertilidad melódica es el Lied, palabra alemana equivalente a canción. Escribió para canto y piano, la mayoría de sus lieder, aunque no son raros los casos en que el acompañamiento es otro instrumento o incluso, toda una orquesta. En la música de Schubert melodía y acompañamiento están al mismo nivel de expresividad y tienen vida propia.
Schubert se ganaba la vida dando clases particulares y tocando con sus amigos en bares y cafeterías, pero su genio fue tal que, intentando escribir música de salón creó obras maestras, a diferencia de muchos que pretendiendo componer obras maestras no hicieron más que escribir música de salón.
FELIX MENDELSSOHN (1809-1847)
Compositor alemán, hijo de un banquero, nació en el seno de una familia rica y culta. Estudió en Alemania, Francia, Inglaterra e Italia. A los 16 años reveló su genio con su extraordinaria obertura para «Sueño de una noche de verano» de Shakespeare.
Al igual que todos los compositores románticos Mendelssohn sintió preferencia por lo fantástico y lo espectral combinado con un profundo amor a la naturaleza. Su concierto de violín constituye una de las obras más bellas y aplaudidas del repertorio violinístico. Sus grandes oratorios dan muestra de monumentalidad y renovación del espíritu preclásico. En Inglaterra fue aclamado y elevado a la categoría de profeta del nuevo arte.
JOHANNES BRAHMS (1837-1897)
Compositor alemán, que a los 20 años conoció a Schumann y éste reconoció enseguida el talento sobresaliente de Brahms: «Este es el que había de venir». En un proceso de continuidad infalible acabó su obra monumental, el concierto para piano en re menor.
Con el «Requiem Alemán», su maestría en el dominio de la composición alcanzó su punto culminante de madurez y al mismo tiempo del aplauso general del público. Sus grandes obras orquestales, como «Variaciones sobre un tema de HAYDN», las cuatro sinfonías, las dos oberturas, los conciertos para violín en re mayor y para piano en sí bemol mayor, como su concierto doble para violín y violoncello con orquesta, divulgaron su prestigio durante los últimos 20 años de su vida más allá de las fronteras de su patria. Fue sepultado en la proximidad de las tumbas de Beethoven y Schubert.
JEAN SIBELIUS (1865-1957)
Compositor finlandés es considerado la voz musical de su patria y la figura más considerable y conocida del norte de Europa. Sus poemas sinfónicos como «Karelia», «Tapiola», «El cisne de Tounela» y «Finlandia» exaltan la nacionalidad y poseen un sabor y una emoción finlandesas de gran nobleza.
En estas partituras, apreciadas en todo el orbe, vibra la poesía del paisaje, de los bosques cubiertos de nieve, de los lagos azules y de la bruma de las zonas boreales en la cual los sentimientos adquieren un intensidad distinta y se engalanan con tonos profundos.
La simpática y vigorosa personalidad de Sibelius domina toda la música finlandesa con su bella labor, apoyada en el orgullo de la raza, abarcando los distintos matices del alma de su país.
la musica popular
La música popular, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñasLos hermanos Steinegger, Distrito de Liezen, Estiria, 1880
El musicólogo y especialista en música popular Philip Tagg define el concepto a la luz de los aspectos socioculturales y económicos:
"La música popular, a diferencia de la música culta, es concebida para ser distribuida de forma masiva, y frecuentemente a grupos grandes y socioculturalmente heterogéneos. Es distribuida y almacenada de forma no escrita. Sólo es posible en una economía monetaria industrial donde se convierte en una mercancía y,
en sociedades capitalistas, sujetas a las leyes del libre mercado, según la cual idealmente debe vender lo más posible, de lo menos posible, al mayor precio posible".
importancia de la musica popular
La música popular es importante porque atiende las necesidades culturales de la época, va evolucionando con la sociedad.Los Juglares (entre los siglos X y XIII) contaban cantando los hechos ocurridos, cumplían una función de emisarios a través de la música. Vagabundeaban por las calles en compañía de mozas, músicos e ilusionistas y eran portadores de novedades y noticias.
La música popular ha enriquecido a la música religiosa, una muestra de ello son las "leisen" alemanas, canciones campestres cantadas durante las faenas agrícolas, adoptadas en el siglo X por los religiosos.
Diferentes estilos musicales caracterizan diferentes sociedades: el tango a la rioplatense, el candombe a la uruguaya, el samba a la brasilera, la zamba a la argentina.
El fandanguillo, habaneras (precursora de la milonga uruguaya), seguidillas y boleros a España, que luego fueron adoptadas por la zarzuela, género español que alterna la declamación con números de música (siglo XVII).
¿Cuál es la importancia que tiene la música popular como fenómeno social?
La música popular se posiciona como un fenómeno democratizador para las sociedades, ya que desde siempre ha encarnado valores, reflejado problemáticas sociales y representado intereses comunes. Le ha dado voz a aquellos que, por lo general, no la tienen. Además, en América Latina donde la modernización se da en forma desigual entre diversos grupos sociales y entre diversos países, la música popular ha actuado como vehículo modernizador, al permitir que los sectores más postergados experimenten algún grado de contacto con ese desarrollo, con esa modernidad que los rodea. Si lo vemos con sentido psicosocial la música popular es fundamental para el desarrollo de los pueblos.
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